Algoritmo para poner un cuadro en la pared.

1. Tomar martillo y clavo.

2. Pararse frente al lugar donde se desea poner el cuadro.

3. Colocar el clavo, sosteniéndolo con una mano y con la otra martillando enérgicamente.

4. Verificar que el clavo este en la posición adecuada.

5. Traer el cuadro y colocarlo, hasta que quede en una posición paralela al piso.

6. Ajustar ligeramente el cuadro.

7. Guardar las herramientas utilizadas.

Refranes. Ejercicio de Arte sonoro

https://soundcloud.com/guevaracano/refranes


Refranes

Para realizar esta pista, utilicé la herramienta Google Translate, en la que traduje del español al inglés los siguientes refranes populares:

"Agua que no haz de beber, déjala correr."

"Dando y dando, pajarito volando."

"Dime de lo que presumes y te diré de lo que careces."

"A darle que es mole de olla."

"Al nopal sólo se le arriman cuando tiene tunas."

"El que es perico, donde quiera es verde."

"Más sabe el diablo por viejo, que por diablo."

John Cage 4 33

John Keston

Arte Sonoro

El arte sonoro experimenta con la interacción del sonido. Toda manifestación del arte que utiliza el sonido como principal vehículo de expresión puede decirse que esta relacionada con el arte sonoro.La virtualidad se entiende como la capacidad del usuario para construir realidades sin existencia material. El arte sonoro participa de esa virtualidad en tanto que las piezas se crean bajo el precepto del sonido como herramienta artística principal, y su característica de intangibilidad lo convierte en una práctica artística de difícil asimilación.

Ya sea como escultura, intervención o instalación, el arte sonoro se manifiesta desde muchos ámbitos, y tiene representantes destacados. El primer artista a mencionar es John Cage, quien fuera alumno de Arnold Shoenberg y uno de los primeros artistas sonoros del siglo XX.

Para Cage, lo importante en la composición de piezas sonoras era que dichas obras estuvieran empapadas de azar y que se convirtieran en una práctica artística que involucrara al espectador. Una de sus piezas mas importantes es 4:33, obra en tres movimientos en la que los silencios y la presencia del público son los elementos fundamentales de la composición.

La experimentación artística con el sonido es una materia que Manuel Rocha Iturbide ha desarrollado con piezas importantes. Para Rocha Iturbide este campo es su materia de estudio y por supuesto, su campo de actividad artística. Rocha es una fuente fundamental de la historia del arte sonoro en México. Entre sus piezas destaca Sonica Tal, obra realizada en 2010 para el Museo de la Talavera Allaraca de Cholula, Puebla. Esta escultura sonora trata de alcanzar aquel instante en el que la cerámica sale del horno, y la materia se manifiesta a través de sonidos puntillistas que al integrarse en la pieza dan cuenta de la materialidad del sonido de la cerámica misma.

La noción de arte sonoro es tan amplia como sus posibilidades de experimentación. Existen piezas que ensayan sonidos ambientales, repeticiones de secuencias y algunas veces el sonido es transformado por medio de diferentes filtros hasta “granularlo”. Un ejemplo de este tipo de piezas podría ser Machine Machine, de John Keston, pieza compuesta por video y sonido que argumenta al rededor de la intervención de la mano humana a través de una pantalla controlando tanto lo visual como lo auditivo, y provocando variaciones fónicas producidas por el azar del toque de la mano en la pantalla.

Daniel Rozin

Después de la fotografía. (2008) Fred Ritchin. (Resumen)

En su obra Después de la Fotografía, Ritchin expone a la era post-análoga de la fotografía describiendo y analizando qué ha sucedido con la llegada de la era digital y cómo la sociedad se ha visto influida, incluso afectada y modificada por tales sucesos.

En la era digital, nada es como solía ser. La percepción del mundo ya no es igual y, como dice Ritchin en las primeras líneas de su libro, "Ni tampoco escribimos, fotografíamos o incluso hacemos el amor de la misma manera." Esta época se vive en diferentes realidades, la vida virtual y la vida real. Mientras escribo este ensayo estoy escuchando en directo el concierto de Muse en Rock in Río por Youtube y mi mejor amiga hace la tarea en su casa en París mientras yo hago la mía y nos vemos por Skype. En mi vida real estoy en pijama tomando café. Todo ha cambiado y la guerra es un entretenimiento televisado. Nuestra sociedad está completamente inmersa en los medios, bombardeada por imágenes y palabras, cambiando totalmente nuestra percepción de la realidad. Uno vive en un constante cambio y estamos acostumbrados a la instantaneidad. Todo sucede en un instante. Una revolución de los medios es necesaria. "La revolución no será televisada". Ritchin espera que la revolución se encuentre un poco en su libro, objeto palpable, lineal y análogo.

La fotografía fue una representación de lo real pero la revolución digital trajo consigo a la fotografía modificada.  ¿Los medios nos muestran realmente lo que pasa? Muestran sólo lo que quieren que veamos. Los medios son un filtro del mundo real así como, a menor escala, nuestros gadgets y redes sociales son un filtro de nuestra vida. En la Red sólo compartimos lo que queremos compartir.

Los medios digitales son creados con inteligencia y trascienden muchos aspectos de los medios análogos. Son accesibles y cualquier persona con acceso a la tecnología puede publicar, por ejemplo, los teléfonos celulares con una cámara incluida y que no se necesita ser un profesional para operar y compartir las fotografías obtenidas. El autor pregunta y nos hace cuestionarnos: "Pero, ¿ésta enorme expansión está haciendo del mundo un mejor lugar? ¿O nos estamos ahogando cada vez más en información, opiniones e imágenes, y volviéndonos más narcisistas?". 

La imagen es más importante que lo representado. Las bodas, los recuerdos y esas imágenes son una búsqueda de la inmortalidad. Nuestra vida y todo el mundo es puesto en escena. Vivimos en base a salir "bien" o "mal" en una fotografía. Vivimos en base a las imágenes. Ritchin cita un episodio de White Noise, novela de Don DeLillo en el que el personaje principal visita "el establo más fotografiado de Estados Unidos". Nadie ve el establo y todos los espectadores solamente lo fotografían. El punto es obtener la imagen.
Ritchin habla de la primera modificación de una imagen que fue para la portada de National Greographic de 1982, dando así nacimiento a la era digital. A partir de ese momento se pudo fotografiar incluso el futuro (como las dos patinadoras rivales patinando juntas que se encontraría al día siguiente). Si la fotografía ahora es fabricable, el papel de la foto es menos trascendental, "el momento oportuno" de Cartier-Bresson tiene menos sentido (se pueden tomar muchas fotografías para corregir lo que faltó en la anterior y se ven al instante) entonces ¿no dejaríamos de confiar en la fotografía? Si sólo se usa la cámara para proporcionar respuestas, para aclarar ambigüedades y dudas y no se generan preguntas se está subestimando su capacidad. Pero si las fotografías pueden ser falsas y antes eran la prueba absoluta de una verdad, una evidencia, ¿ahora qué? ¿Todavía se necesita una cámara o incluso un fotógrafo? Y entonces se crea un debate. ¿Es correcto modificar o no imágenes? ¿Se pueden utilizar o modificar imágenes ajenas?.

 Ritchin habla también sobre la maleabilidad de la fotografía. Su nueva flexibilidad la pone en duda pero le otorga la oportunidad de expandirse hacia nuevos horizontes. El turista de Sontang (citada por Ritchin) ahora es capaz de fotografiarse junto a su destino turístico (todos los destinos turísticos han sido fotografiados ya) incluso antes de partir. Se pude fotografiar el futuro. De cierto modo eso puede ser muy útil dándole así al turista la oportunidad de "saltarse" la foto turística y así descubrir nuevas experiencias y seguir sus instintos y así conocer, de maneras originales y diferentes, el atractivo turístico.


Una de las características de la fotografía es su ambigüedad. Ritchin cita, al principio de su cuarto capítulo, a Aldous Huxley: "Existe lo conocido y lo desconocido, en medio están las puertas de la percepción". Si en una fotografía aparece una persona llorando bien podría ser porque le entró polvo en los ojos o porque recibió una noticia terrible y lo digital permite respetar la ambigüedad de la fotografía a diferencia de lo análogo ya que, debido a la maleabilidad de los pixeles, la apariencia es solo un punto de partida. Richin habla aquí de la fotografía hipertextual.

En otras palabras Ritchin dice que la fotografía ha sido muy criticada gracias a sus efectos negativos y nos hace preguntarnos: ¿cómo mejorar el uso de la fotografía? El autor da el ejemplo de la fotografía de Lewis Hine que hizo que las leyes contra la explotación infantil se aprobaran, o el caso de la enfermera Maude Callen que muestra hechos reales y crea una diferencia social, un cuestionamiento como en el caso de Vietnam dónde la gente comenzó a dudar de las razones de la guerra. Sin embargo pueden existir interpretaciones negativas de la fotografía creando una "fatiga de la compasión", una "estilización de lo intolerable" gracias a los medios que bombardean imágenes perturbadoras, a su obsesión por escandalizar y al final uno termina "acostumbrándose".


Ritchin describe, en su octavo capítulo, Hacia la Hiperfotografía, a la fotografía digital (incluidos lawebcam y los screenshots) como líneas de pixeles definidos individualmente, cada uno con su color y tono, que representa un solo momento pero pueden ser extendidos y ampliados al unirse con muchos otros momentos a través de los hipervínculos. A la fotografía análoga se le describe como una fotografía "discreta que representa sólo una fracción de segundo y es responsable de cortar al mundo en segmentos que casi siempre son rectangulares". Con la fotografía digital es más fácil estar satisfecho, más rápido, pero con la fotografía análoga nunca se sabe qué es lo que está bien o mal, por lo tanto se pone más empeño. A los fotógrafos análogos se les llama shooters y a los digitales chimpings. 

Ritchin cita a Gérard de Nerval: "Todo vive, todo actúa, todo se corresponde con todo. Es una red transparente que cubre al mundo." Ahora se habla de cyborgización de las personas: los gadgets se convierten en apéndices. En este capítulo se incluye una fotografía de un concierto de The Killers en dónde los asistentes, en lugar de utilizar sus encendedores como se acostumbra, usas las luces de sus celulares.

En la era digital vivimos constantemente vigilados por cientos de cámaras de vigilancia, incluso acechados, irrumpiendo en nuestra privacidad. En un futuro incluso un gobierno cínico podría distribuir artefactos que hicieran parecer que todo está bien, mostrándonos el mundo según nuestras preferencias.

Para concluir, Ritchin dice que la fotografía digital comienza a ser una aventura (como Nadar con su globo aerostático o las fotografías de "espíritus" del siglo XIX). Existen múltiples estados de la fotografía, "el gato de la fotografía puede estar muerto o dormido". Y como dice Cortázar: "[...] recuerdo petrificado, como toda foto, donde nada faltaba, ni siquiera y sobre todo la nada, verdadera fijadora de la escena."

La post-fotografía puede ser ambos lados, análogo y digital, y así documentar y delinear lo post-humano, cyborgización de lo humano. La fotografía e hiperfotografía puede ser vista aún como una confirmación o una exploración o ambos.

Arte Minimalista

Arte Minimalista

"Menos es más"

El minimalismo surge afínales de la década del 60 en Nueva York, pero sus orígenes están anclados en Europa en las primeras ideas del arquitecto alemán Ludwig Mies Van Der Rohe, quien elaboró sus ideas acerca de la pureza de las formas y el espacio. En la década del 70, el minimalismo alcanza su madurez como una forma de reacción a los estilos recargados de la época (principalmente el pop art) y la saturación comunicacional dentro del universo estético.

También es una corriente estética derivada de la reacción al pop art. Frente al colorismo, a la importancia de los medios de comunicación de masas, frente al fenómeno de lo comercial y de un arte que se basaba en la apariencia, el minimalismo barajó conceptos diametralmente opuestos. El sentido de la individualidad de la obra de arte, la privacidad, una conversación conceptual entre el artista, el espacio circundante y el espectador. Así como la importancia del entorno como algo esencial para la comprensión y la vida de la obra.
Los creadores minimalistas reducen al máximo los elementos propios del arte, los volúmenes y formas en escultura. De forma análoga proceden en la arquitectura o en la pintura. Intentan condensar en escasos elementos sus principios artísticos y reflexiones.

Características principales del Minimalismo

El término minimalismo describe la evolución de las diversas formas de arte y diseño, especialmente el arte visual y la música, donde cualquier cosa o objeto es reducido a lo esencial, despojado de elementos sobrantes, quedando sólo sus características fundamentales. Es una traducción transliteral del inglés minimalist, que significa minimista, o sea, que utiliza lo mínimo. Es la tendencia a reducir a lo esencial. Este movimiento específico artístico se identifica con  un desarrollo del arte occidental posterior a la Segunda Guerra Mundial, iniciado en el año 1960.

El término «minimal» fue utilizado por primera vez en 1965 por el filósofo Richard Wollheim para referirse a las pinturas de Ad Reinhardt, los “ready-made” de Marcel Duchamp o la música del artista y filósofo argentino Eduardo Sanguinetti.  

                                                Ad Reinhardt                                                                          Marcel Duchamp

Los artistas más destacados asociados a este movimiento son Donald Judd, John McLaughlin, Agnes Martin, Dan Flavin, Robert Morris, Anne Truitt, y Frank Stella. El minimalismo tiene sus raíces en los aspectos reductores de la modernidad, y es a menudo interpretado como una reacción contra el subjetivismo y emocionalismo del expresionismo abstracto y el pop art, y un puente a las prácticas del arte postmoderno. Estos artistas intentan condensar en escasos elementos sus principios artísticos y reflexiones.

                                                                                         Donald Judd

                                                           Agnes Martin

                                                             Dan Flavin

                                                                  Robert Morris

                                                                Anne Truitt

Los términos se han ampliado para abarcar un movimiento en la música que se caracteriza con la repetición y la iteración, como en las composiciones de La Monte Young, Terry Riley, Steve Reich, Philip Glass y John Adams.

El término "minimalista" a menudo se aplica coloquialmente para designar todo aquello que está despojado de lo esencial. También se ha utilizado para describir las obras y las novelas de Samuel Beckett, las películas de Robert Bresson, las historias de Raymond Carver, e incluso los diseños de automóviles de Colin Chapman.

El minimalismo no solo se reduce a la pintura y a la música, sino que también a la escultura, el diseño, la arquitectura y el mobiliario, por ejemplo.

Frente al colorismo, a la importancia de los medios de comunicación de masas, frente al fenómeno de lo comercial y de un arte que se basaba en la apariencia, el minimalismo baraja conceptos diametralmente opuestos. El sentido de la individualidad de la obra de arte, la privacidad, una conversación conceptual entre el artista, el espacio circundante y el espectador, etc.

Las características del arte minimalista se pueden reducir en las siguientes:

• Abstracción: las obras operan sólo en términos de color, superficie y formato
• Producción y estandarización industriales
• Austeridad con ausencia de ornamentos
• Economía de lenguaje y medios
• Orden
• Geometría Elemental Rectilínea
• Máxima Sencillez
• Reducción y Síntesis
• Uso literal de los materiales
• Purismo estructural y funcionalidad
• Precisión en los acabados
• Concentración
• Desmaterialización
• Ausencia de contenido formal o de estructuras relacionales

PopArt

Pop Art

Contexto Histórico

El nacimiento de este movimiento (década de los cincuentas) es el reflejo de unos años turbulentos; la cultura de la post-guerra. Recién había terminado la Segunda Guerra, la que sabemos que fue bastante terrible y cruda. El mundo estaba dividido ahora en dos polos: La U.R.S.S Y Estados Unidos. Esta era una guerra más bien ideológica, de dos maneras de percibir el mundo; dos mesianismos.

Lógicamente, producto de este periodo (Guerra Fría) nacerán movimientos que reflejen la deshumanización del hombre. Comienzan a darse cuenta de la frialdad y de lo que es capaz el hombre. Vieron al hombre como una escoria; por lo tanto sólo podría producir basura. Puede decirse que 1945 supuso partir de cero o, por lo menos, de unos presupuestos radicalmente nuevos. La sensación de angustia o de absurdo, la meditación sobre el pasado inmediato y la responsabilidad individual o colectiva ante él o la misma sensación de insatisfacción ante la sociedad en la que se vivía, temas todos ellos presentes en la creación literaria y artística de la posguerra, tan sólo pueden entenderse a partir de esos presupuestos. El centro y fuente de inspiración del Pop Art será el modelo reinante hasta nuestros días: Estados Unidos y la sociedad capitalista.

Puede afirmarse que el pop-Art es el resultado de un estilo de vida, la manifestación plástica de una cultura (la popular del capitalismo desarrollado) caracterizada por la tecnología, la moda y el consumo, donde los objetos dejan de ser únicos para producirse en serie.
Este movimiento artístico quiso ir contra todas las leyes y cánones establecidos. Sus artistas fueron reacios a la enseñanza oficial de la Escuela de Artes Plásticas, por lo tanto, promovieron su renovación siguiendo las nuevas corrientes abstractas. Esto nos muestra claramente una rebeldía y absurdo ante la realidad en la que vivían. El por art fue uno de muchos movimientos que intentó transmitir este sentimiento.

Características:

 ¡ Rechazo del Expresionismo abstracto e intento de volver a poner el arte en contacto con el mundo y la realidad objetual.

ü  Lenguaje figurativo y realista referido a las costumbres, ideas y apariencias del mundo contemporáneo.

ü  Temática extraída de las grandes ciudades, de sus aspectos sociales y culturales: cómics, revistas, periódicos sensacionalistas, anuncios publicitarios, cine, radio, televisión, música, espectáculos populares, elementos de la sociedad de consumo.

ü  Ausencia del planteamiento crítico: los temas son concebidos como simples "motivos" que justifican el hecho de la pintura.

ü  Tratamiento pictórico de forma no tradicional: aunque el lenguaje es figurativo y representa objetos reales, no se concentra exclusivamente en sus cualidades formales, sino que las combina con sus cualidades abstractas intrínsecas gracias al empleo de imágenes familiares y fácilmente reconocibles.

ü  Representación del carácter inexpresivo, preferentemente frontal o repetitiva.

ü  Combinación de la pintura con objetos reales integrados en la composición de la obra: flores de plástico, botellas… en un nuevo planteamiento dadaísta acorde con los nuevos tiempos (Neodadaísmo).

ü  Preferencia por las referencias al status social, la fama, la violencia y los desastres (Warhol), la sexualidad y el erotismo (Wesselmann, Ramos), los signos de la tecnología industrial y la sociedad de consumo (Ruscha, Hamilton).

ü  Formas y figuras a escala natural y ampliada (los grandes formatos de las imágenes de tebeo de Lichtenstein).

ü  Iconografía estilizante, principalmente formas planas y volumen esquemático.

Técnicas:

Colores puros, brillantes y fluorescentes, inspirados en los empleados en la industria y los artistas como Andy Warhol (que hizo famosas en todo el mundo las latas de sopas Campbell). Robert Rauschenberg y Roy Lichtenstein mezclaron diferentes elementos y objetos volcándolos en texturas y colores, nunca antes usados, convirtiéndolos en verdaderas obras de artes.

Los representantes del Pop Art utilizaron diferentes recursos en la realización de sus obras que iban desde el silkscreen, el óleo, algunas técnicas de la publicidad y de la producción masiva además de utilizar collages y fotografías, todas ellas cargadas de ironía e irreverencia frente a una sociedad cada vez más industrializada.

Incluyeron además esculturas, así como tiras de cómic, latas de sopa, cerveza o señales de tráfico. Los materiales como el poliéster, la gomaespuma o la pintura acrílica, ocuparon un lugar destacado.